18/04/2013 - Cinergie mantuvo un encuentro con Félix van Groeningen, quien desveló las claves de su melodrama Alabama Monroe (The Broken Circle Breakdown).

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entrevista: Felix Van Groeningen
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ficha de la película] a la gran pantalla?
Felix van Groeningen: Me pareció genial la vi por primera vez. Todos los elementos funcionaban a la perfección y todo adquiría una gran envergadura. Comienza de forma un tanto divertida, como un concierto, con músicos que tocan y que luego se ponen a contar su historia. Entonces comprendemos que se trata de una pareja que ha perdido a un hijo, y la cosa sigue y sigue, cada vez más y más lejos. ¿Cómo van a digerir este hombre y esta mujer esta desgracia y por qué no vuelven a verse? Es lo que más me conmovió de la pieza. Me puse a llorar al cabo de media hora y ya no pude parar… ¡Y dura hora y media! [risas] Cuando vi la obra de teatro por primera vez, me pareció increíble y ya pensé en adaptarla. Luego la volvió a ver y me dije: no, no voy a hacerlo. Seis meses después la vi de nuevo, releí el texto y un día me dije que iba a hacerlo.

¿Cuáles eran sus mayores desafíos a la hora de llevar la historia al cine?
La combinación de esta historia de amor tan dura y la música, que cobra gran importancia en la película. Me parecía muy complicado. Cuando empecé, no sabía muy bien qué iba a hacer. ¿Iba a realizar un musical u otra cosa? Ese era el reto; al principio me daba miedo.

Cuando filma el amor, entra en un universo bastante pop & rock'n'roll; en cambio, la cámara parece más discreta, más sobria, al rodar la enfermedad.
Son mucho más crudas mis otras películas. En esta cinta empleé mucha energía en la estética. Quise conseguir planos muy hermosos, lentos, con poco movimiento de cámara y sin necesidad de echársela al hombro para filmar acción. Nunca había tenido ganas de hacer eso antes. Nos esforzamos mucho también en buscar un lugar estético. El hospital no es bonito pero hay muchos colores, muchos cristales y muchas luces.

El montaje desmonta la cronología y dota al film de una especie de ligereza que contrasta en gran medida con el tema.
La idea era provocar el sentimiento de un viaje, de no saber dónde está uno, pero de estar cerca de las emociones. En el montaje, dejamos de seguir el guion porque nos dimos cuenta de que esa no era la manera correcta de editar la película. En el guion, se contaban tres periodos y saltábamos de uno a otro. Eso funcionaba en el papel pero no en el montaje. Volvimos a repasar todo de nuevo y rápidamente nos acercamos al problema, al niño enfermo: era importante comprender que el júbilo, el amor, esta pareja tan rock’n’roll, su encuentro y todo lo demás no volvería a ser motivo de alegría.

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ficha de la película], más bien triste, y The Misfortunates [+lee también:
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ficha de la película] retrataba a gente a la que no habríamos apreciado de primeras. En cada uno de los casos, usted ha filmado todo eso con mucha ternura, como si el cine estuviera allí para hacer que las cosas fueran un poco más soportables…
Sí, así es. Puede que para mí sea una manera de digerir cosas que he vivido y a las que no se conferir un lugar. Además, al hacerlo, al escribir el guion, puedo dejarme llevar en esas emociones sin que haya peligro, pues no se trata de nada más que de una historia.

fuente: Cinergie