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SLAMDANCE 2022

Manuel Arija • Director de Ultrainocencia

“Me gusta el hecho de que recuerda a la estética de los 70”

por 

- Hemos hablado con el director sobre su búsqueda cinematográfica de la presencia divina, que ha tenido su estreno este año en Slamdance

Manuel Arija  • Director de Ultrainocencia

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, el primer largometraje de Manuel Arija, se ha presentado este año en Slamdance. Con esta obra, el cineasta ha creado una atrevida parodia de ciencia ficción en la que los protagonistas intentan demostrar la existencia de un poder divino y espiritual, que podría ofrecer una justificación a la religión. Hemos hablado con Arija sobre su inspiración para la historia y el concepto visual de la película.

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Cineuropa: ¿De dónde surge la inspiración para la historia?
Manuel Arija:
Vi una obra de teatro contemporánea con el mismo título en Barcelona. Me gustó la historia y hablé con la compañía, ya que quería adaptarla y convertirla en una película. El tema principal es la fe, y el objetivo era crear algo que tratara esta temática en todos sus aspectos. Nos interesaba el hecho de que algunas personas intentan usar la tecnología para encontrar pruebas de la existencia de una presencia divina; ese fue el punto de partida. Posteriormente, también me inspiré en cómo se describe la vida de los mártires y los santos en las diferentes religiones. Son personajes puros que tienen un contacto con Dios. Están encerrados en un templo místico, intentando conseguir una respuesta a todas nuestras preguntas. Sin embargo, pasan los años y no encuentran nada. Esos personajes inicialmente puros acaban convirtiéndose en otros más normales y humanos. Como esta es una película de bajo presupuesto, también fue muy útil plantear solo dos personajes en un único lugar.

¿Cuál era la idea detrás de la revista de cotilleos que uno de los personajes esconde en la nave espacial?
Un santo tiene que sacrificarse y deshacerse de todo lo que lo hace humano; de lo contrario, él o ella no puede entrar en contacto con Dios. No debe estar contaminado por las cosas terrenales. Pero entonces, uno de los personajes coge la revista, y dentro se encuentra toda la banalidad y toda la humanidad. Quería usar la revista para iniciar un conflicto entre los dos protagonistas. Podríamos llegar a pensar que no pueden encontrar a Dios por eso, pero en realidad se debe a que tienen que volver a encontrar su fuerza interior y comenzar a creer en sí mismos. Tan pronto como dejan de utilizar todas las técnicas que les proporcionaron, comienzan a encontrar la fuerza espiritual que estaban buscando.

¿Hay otros autores o cineastas que te hayan inspirado?
Buñuel es una gran fuente de inspiración para mí. Muchas de sus películas hablan sobre la fe y la religión. Para él, la religión es algo surrealista e ilógico. Crea muchas situaciones que resultan divertidas y dramáticas al mismo tiempo.

¿Por qué la comida proviene de objetos que parecen tubos de pintura?
Recuerdo ver documentales de los años 70 sobre astronautas y sus hábitos alimenticios. Me gustó la idea de burlarme de eso. Al igual que con la inteligencia artificial, que se relaciona a menudo con el espacio y las naves espaciales. Creo que el contexto de la ciencia ficción es muy divertido, y también es un lenguaje universal.

¿Cómo encontraste a los protagonistas?
Los dos actores principales son miembros de la compañía de teatro que representó la obra original en la que se inspira la película. Como ya conocían perfectamente la obra, les resultó fácil conectar con la película.

¿Cómo surge la idea de que el personaje interpretado por Sergi López hable en varios idiomas al mismo tiempo?
Pensábamos que sería aburrido si solo hablase en inglés, así que se nos ocurrió esta idea, y a él le gustó mucho. Aunque fue un gran desafío.

¿De dónde sacaste las ideas para el concepto visual de la obra?
Usamos algunos conceptos de la obra original. El diseño artístico, el vestuario y la escenografía estuvieron a cargo de las mismas personas. Era importante que la paleta de colores se limitase a un puñado de tonos, e introducir más colores a medida que se desarrollaba la historia, para mostrar el proceso interior de los personajes. Ese mismo desarrollo se hace visible en el uso de la cámara, que es bastante constante al principio y se mueve más hacia el final. Se trata de una cámara antigua con lentes más granulares. Me gusta el hecho de que recuerda a la estética de los 70.

Los personajes tienen que seguir una coreografía bastante compleja. ¿Trabajaste con algún bailarín profesional para desarrollarla?
Los actores son los verdaderos creadores de toda la coreografía. Los ensayos con la cámara, así como el diseño de sonido y especialmente la escenografía, eran partes integrales de un mismo concepto. Como teníamos medios limitados, con una sola cámara, era importante que la coreografía tuviera en cuenta la perspectiva de esa cámara.

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(Traducción del inglés)

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