31/01/2023 - Hemos hablado con el director alemán sobre su primer largometraje, rodado a toda velocidad durante la pandemia, que capta cierta sensación de estar perdido y solo

(© Nils Schwarz)

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ficha de la película] se estrenó en la Competición Tiger del Festival de Róterdam, después de ganar el premio a la Mejor dirección en el Max Opühls Prize de Saarbrücken (ver la noticia). Es el primer largometraje del director alemán Lukas Nathrath, con quien hablamos de la génesis del proyecto, la creatividad que surgió de la pandemia de COVID y la larga tradición de problemas de comunicación entre seres humanos.  

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Cineuropa: ¿De dónde surgió la inspiración para la película? ¿Cómo empezó el proyecto?
Lukas Nathrath: La idea para la película y la película misma surgieron durante el primer confinamiento por coronavirus. En esa época estaba en Basilea como cineasta residente, los teatros cerraron y mi amigo, el actor Sebastian Jakob Doppelbauer, como muchos de sus compañeros, estaba en una pausa forzada. Sebastian y yo estábamos en contacto y surgió la idea de desarrollar un proyecto de película. Debido a este alto externo, teníamos la sensación de que, aun así, había muchas ideas dentro de nosotros. Teníamos ganas de acción y aventura. Primero, tuvimos una idea para un cortometraje, que luego se convirtió en largometraje. Pero no teníamos dinero ni financiación. En definitiva, contábamos con 4000 euros, que fueron principalmente a la postproducción. Para el resto, nos adaptamos. En Hannover, muchos apartamentos estaban vacíos debido al cierre del teatro. Sebastian y otros miembros del grupo tenían tiempo y se unieron.

¿Cómo desarrollaste los personajes? ¿Qué aspectos fueron más importantes?
Me reuní con los actores de manera individual para hablar de sus papeles. El desarrollo de los personajes fue un trabajo colaborativo. Los actores hicieron muchas preguntas que eran importantes para el desarrollo de los personajes. Por lo tanto, continué escribiendo el guion y lo ajusté poco a poco. Era importante que todos los personajes tuvieran una cosa en común. Todos habían experimentado soledad, dolor y pérdida. Pero están atrapados en su mundo y no pueden comunicarse. Me interesaba observar cómo las personas a menudo hablan de sí mismas, no escuchan y no pueden comunicarse. 

Clemens compone una canción en inglés. Los invitados critican su decisión. ¿Qué quisiste decir con eso?
A través del idioma extranjero, Clemens construye una protección. El idioma significa distancia. Para mí, la película también es una especie de alienación. No es autobiográfica, pero sí muy personal.

Poco a poco, queda claro que el tema central de la película es la inestabilidad mental de Clemens. Lisa ya no puede cargar con la responsabilidad.
Lisa se estresa y se presiona a sí misma constantemente. Es una especie de compensación; ella siempre tiene que compensar por Clemens y su miedo por él. En parte, Clemens ya no puede vivir. Tiene obstáculos que intenta superar. Pero a muchas personas les pasa lo mismo. En su personaje, su carga tiene que ver con la duda sobre sí mismos que tienen muchos artistas y personas creativas. Creo que todos pueden identificarse con él de una manera o de otra.

¿Qué mensaje quieres transmitir con la película?
Quería mostrar a personas que luchan contra sí mismas para mostrar lo que puede haber detrás de la fachada. Unimos esfuerzos y a menudo tenemos una opinión de otros sin conocerlos en realidad. Lo importante de la película es ser capaz de tomar la perspectiva del personaje e intentar comprenderla.

¿Tienes modelos de personajes literarios y cinematográficos?
Chéjov es una gran inspiración para mí. En su obra, las personas suelen sentarse y no escuchar a los demás. Así que estos problemas de comunicación ya existían a finales del siglo XIX, no es un fenómeno de una determinada generación. En cuanto a las películas, Una mujer bajo la influencia, de John Cassavetes es muy importante para mí. Luego están The Forest For the Trees y Everyone Else [+lee también:
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Usas mucho la cámara de mano. ¿Por qué era importante?
La cámara de mano es esencial para transmitir una sensación de inmediatez. La noche en que transcurre la película estaba destinada a ser dinámica, también queríamos visualizar la inestabilidad y inestabilidad del protagonista. La estética también debía corresponderse con el verano febril en que grabamos. La cámara de mano también tenía razones prácticas. Solo teníamos que ser rápidos. Era importante que los actores pudieran moverse con libertad.

(Traducción del inglés)